„Ilona.Rosetta.Sue“ nach Aki Kaurismäki, Luc und Jean-Pierre Dardenne sowie Amos Kollek, Regie Sebastian Nübling, Dramaturgie von Eero Epner und Julia Lochte,

Koproduktion mit dem Theater NO99 (Tallinn) und mit dem KVS (Bruxelles), gesehen in den Münchner Kammerspielen am 2. Februar 2014

Kann man Filme auf die Bühne bringen? Ja. Man kann alles auf die Bühne bringen.

Kann man drei Filme gleichzeitig auf die Bühne bringen? Vielleicht. Wir werden sehen.

 Am Anfang des Abends steht eine sehr souveräne und verständliche Einführung der Co-Dramaturgin Julia Lochte (eine Vermutung, ich kam rufgerecht etwas zu spät und konnte das nicht verifizieren). Jene verbale Handreichung ist sehr sinnvoll, wenn man den Stückansatz von Anfang an begreifen möchte, das ausgezeichnete Programmheft hilft da aber auch weiter.

 Drei Filme, drei Geschichten von unten, aus dem Lumpenproletariat (wie es klassisch heißt) oder besser Prekariat (wie wir Hobbysoziologen heute sagen) – alle ohne den Hauch einer Chance, gut zu enden – werden verwoben miteinander zu einem Bühnenstück. Und als ob das nicht reichen würde für eine theatrale Herausforderung, spielen Darsteller aus vier Nationen (wenn man die ostdeutsche einzeln zählt) in ihrer Muttersprache und auf Englisch, das sie alle mehr oder weniger beherrschen. In Berlin hätte man das vermutlich so schlicht in den Saal geballert, aber die liberalitas bavariae gönnt dem Zuschauer Übertitel, wenngleich diese gelegentlich mit dem Timing Probleme haben, die Einblendungen, mein ich.

 Apropos Saal: Jener ist von Hause aus recht finster, fast höhlenartig. Auch die Flure sind sehr verwinkelt, die Gastronomie wirkt (ausgerechnet in München) spärlich, doch das zahlreiche Personal ist dafür äußerst zuvorkommend.

 Aber zurück zum Stück: Drei Theater sind an der Produktion beteiligt, neben dem Hausherrn Münchner Kammerspiele noch das (freie?) Theater NO99 aus Tallinn, der theaterverrücktesten Stadt der Welt, wenn man den Berichten glauben darf (ein Vorstellungsbesuch pro Jahr und Einwohner im statistischen Mittel), und den afrikanischen Kontinent deckt das KVS aus der Hauptstadt des Königreichs Belgien ab, das auch schon mal größer war, in der sogenannten guten alten Zeit.

 In allen drei Filmen, die die Grundlage der Produktion bilden, geht es um scheiternde Existenzen aus den Niederungen der Gesellschaft, überall ist von Anfang an klar, dass sie keine Chance haben werden, aber wie sie versuchen, diese dennoch zu nutzen, ist wesentlicher Inhalt der Filme.

Ilona aus Kaurismäkis „Wolken ziehen vorüber“ hat anfangs immerhin noch ein kleines Idyll mit ihrem Mann Lauri, das aber schnell zerfällt nach dem Jobverlust von beiden und nicht mehr wiederentstehen will und kann. „Sue“ (Amos Kollek) handelt von einer, die an ihrer Einsamkeit zerbricht und am Ende nicht mal mehr in der Lage ist, sich retten zu lassen. Die Brüder Dardenne beschreiben mit „Rosetta“ schließlich einen darwinistischen Überlebenskampf ganz ganz unten, in dessen Verlauf die Titelheldin erst die alkoholabhängige Mutter, dann die Würde und am Ende sich selber verliert.

 Und das passt nach München, in die Schickeria-Metropole? Durchaus. Wer annähernd weiß, was oftmals hinter der Bogner- und Operpollinger-Tarnung steckt (z.B. Löcher von Wohnungen, für die man vierstellige Monatsmieten zahlt) und wer beobachtet, wie lang man sich auch im „Tambosi“ am Latte festhält, kann sich vorstellen, dass im Publikum nicht nur Beobachter sitzen. Die Angst vor dem sozialen Abstieg ist oben am größten.

 Aber wie wird das nun auf die Bühne gehoben? Klassisch modern. Die Geschichten werden eingeführt, an-erzählt, danach immer wieder wechselseitig überblendet durch ad hoc – Rollenwechsel der Schauspieler (die allesamt hervorragend sind) und später auch irgendwie fast parallel zu Ende gebracht. Dabei ist einem Füllhorn von Regieeinfällen beim Ausgekipptwerden zuzusehn, das natürlich auch von der Phantasie der Filmregisseure profitiert.

Meine Lieblingsszenen: Der letzte Walzer im „Dubrovnik“, das Armdrücken mit dem Amt, der „Hans im Glück“, als Lauri (Steven Scharf wunderbar lakonisch) den Erlös des frisch vertickten Buick beim Straßenroulette verjubelt, die Selbstdemütigung von Sue (grandios Wiebke Puls) beim Prostitutionsversuch, der nur zur Kleingeldprinzessin reicht, aber auch ihr kurzer Hoffnungsstrahl mit Ben, der bezaubernd gespielt wird von Rasmus Kaljujärv, die vier Wochen Glück für Ilona (die Kongolesin Starlette Mathata mitreißend) in der „Honolulu-Bar“, Marika Vaarik als Rosettas vor der Entziehungsanstalt flüchtende Mutter (und in allen anderen Rollen), undundund.

Doch die Krönung all der schön-schrecklichen zwei Stunden: Mirtel Pohla als Rosetta. Wie die präsent ist, wie die anspielt gegen das unabänderliche Schicksal, wie die am Ende an ihrem Verrat verzweifelt und die Propangasflasche bemüht … den Namen werde ich mir merken, merken müssen, was soll man da auch dagegen tun, er brennt sich ohnehin ein.

 Sebastian Nübling ist eine großartige Inszenierung gelungen. „Erst wenn Du nichts mehr hast, bist Du frei“, man kann den Satz durchaus auch als zynisch begreifen. Der Krönung mit dieser phantastischen Schlussszene, den im Kreis schwingenden, rauschenden Mikrofonen, hätte es dafür gar nicht mehr bedurft, aber umso besser, wenn solch eine herz- und verstandergreifende Szene das Stück beendet.

Ein wunderbarer Abend, auch wenn er nicht leicht zu ertragen war. Aber Theater ist ja nicht nur zum Spaße da.

 PS: Warum gehen Menschen vorzeitig aus einem Stück?

Meine These ist: Aus Überforderung, auch wenn sie sich das selbst gar nicht eingestehen werden wollen. In München schlug eine Saaltür schon nach fünf Minuten nach einer recht harmlosen Sexszene (gut, gleich um die Ecke ist das Hofbräuhaus, da war der Betreffende sicher besser aufgehoben, aber auch die Kirche Unserer lieben Frauen ist unweit vorhanden), doch dann klappte die Tür in unschöner Regelmäßigkeit.

Zweite These: Manche wollen das nackte Leben vor der Garageneinfahrt der Doppelhaushälfte nicht sehen, ertragen es einfach nicht. Das muss man ja irgendwie doch ein bisschen respektieren.

„Weiße Flecken“, ein Theaterstück über Demenz von Tobias Rausch, Co-Regie Matthias Reichwald, Produktion der Bürgerbühne am Staatsschauspiel Dresden, gesehen am 4. Januar 2014

Ich gestehe, ich hatte Manschetten vorher. Das Thema Demenz im Besonderen und Pflege bzw. stetig alternde Gesellschaft im Allgemeinen ist so beschaffen, dass man sich auch leicht verheben kann daran. Und ich bin der Bürgerbühne mehr als freundschaftlich verbunden, ein solches Fazit hätte mir leid getan.

Doch mitnichten: Mal wieder sieht man ein erstklassiges Stück Gegenwartstheater und bekommt eindrucksvoll den Mehrwert dieser speziellen Institution „Bürgerbühne“ vorgeführt.

 Ein Revival des Bürgerchors am Anfang, zahlenmäßig geringer, aber so präzise wie jener von Volker Lösch in den „Webern“, jener nach der Premiere zwangskastrierten Fassung aus 2005 (?). Große Wiedersehensfreude mit dieser Art von Theater, das fehlte mir in den letzten Jahren ein wenig.

Die von mir gewohnte Form der Nacherzählung des Stückes hat hier wenig Sinn, es gibt zwar eine (fiktive) Rahmenhandlung um den demenzkranken Heimbewohner Klaus T., doch wichtiger sind die eingewobenen fünf Krankheitsbiographien, die fast alle Blickwinkel abdecken, sowie die künstlerische Aufarbeitung der zahlreichen Interviews, die das Rechercheteam um Katharina Wessel im Bereich „der Pflege“ führte.

 Man erfährt so einiges, was man mit dem Thema bislang gottlob nicht Befasster noch nicht wusste: Der erzwungene Abschied vom Autofahren läutet das Ende ein. Man kann auch die letzten sechs Jahre seines Lebens schweigen. Erst, wenn man (gar) nicht mehr merkt, dass man dement ist, wird das Leben wieder erträglich. Ob man Mann/Frau oder Kinder noch erkennt, ist Glückssache, kein Krankheitsverlauf gleicht dem anderen. Aggression ist im Alter wieder ein Thema. Und Vereinsamung einer der Auslöser für Demenz. Gingko hilft. Ein bisschen.

 Außerdem lernt man den Minutenwalzer der Pflegedienste kennen, muss überlegen, was ein Pflegeheim vom Knast unterscheidet (der Freiheitsbegriff wird hier über ein Absturzgitter am Bett, die Art der Türklinke und die konkrete Medikamentierung definiert), erfährt, dass man mit einer hohen Pflegestufe durchaus noch Rasen mähen kann, aber sich nicht dabei erwischen lassen sollte und im Heim für Individualität kein Platz ist, das Raster ist unerbittlich.

Man sieht eine Welt der permanenten Überforderung sowohl der Angehörigen als auch des Pflegepersonals und ist beunruhigt, wenn man die Zahlen hört: Das ist erst der Anfang. Heute gibt es in Deutschland 1,3 Mio. Demenzkranke, 2040 werden es 2 Mio. sein (bei sinkendem Pflegeversicherungsaufkommen). Schon 2025 werden über 100.000 Beschäftigte in Pflegeberufen fehlen … Noch viele andere Fakten stehen im erstklassigen Programmheft. Also noch ein kollabierendes System, neben Rente, Sozialstaat, Umwelt und Was-weiß-ich. Schön ist es, auf der Welt zu sein, nicht vergessen, liebe Nachfahren.

 Klaus T. in seiner Zweimannzelle kümmert das wenig. Im Heim („Ach was, Heim, quasi ein Hotel …“ wie es in anderen Fällen vorher heißt) ist es immer halb vier, man kann Fluchtpläne schmieden (im Wäschewagen rausschmuggeln lassen mit Hilfe der niedlichen Praktikantin) und die Menschenrechte sind mit „sauber, satt, still“ hinreichend beschrieben. Man kann in seinen Erinnerungen leben, auch wenn es vielleicht nicht die eigenen sind, aber das ist doch egal, solange sie schön sind. Und so erscheint auch die verlorene Tochter wieder und versöhnt sich mit ihm. Bald holt sie ihn hier raus, ganz sicher.

Wie kommt so einer ins Heim? Geschieden, allein lebend, dem Alltag nicht mehr gewachsen, die Nachbarn haben sich beschwert, als der Gestank unerträglich wurde. „Über soziale Kontakte ist nichts bekannt“ heißt es in der Akte, mit der das Sozialamt den Umzug verfügt. Und nun der liebe Opa Hampelmampel, der nur manchmal die Pflegerin als Hampelschlampe beschimpft. Doch dagegen gibt es die Medikamente.

 Es ist ein besonderer Kreislauf des Lebens, am Ende ist man so hilflos wie am Anfang, nur die Perspektive ist eine andere. „Wenn er/sie doch endlich sterben würde“, wagt ein pflegender Angehöriger kaum zu denken, im Heim sieht das anders aus: Ab einer gewissen Pflegestufe ist es ein Geschäft, das Etwas hier am Leben zu halten.

MUSS man pflegen als Kind seiner dementen Eltern? Gibt es einen moralischen Imperativ dafür, auch wenn man das nicht leisten KANN? Das Stück wagt sich auch an diese Frage, ohne sie endgültig beantworten zu können.

 Ein Ausflug in die Zukunft, „Pflege-Drohnen“ der neuesten Bauart in 2030. Die mit dem Empathie-Modul scheint noch nicht ausgereift, sie steht unter Kontakturverdacht und muss zurück ins Werk, zum Nachbessern. Und dem „Pflege-Kunden“ wird ein ewiges 2013 vorgegaukelt, fast wie in „Good bye Lenin“.

Stabilität ist wichtig, bei Bauwerken wie beim Menschen, doch nur bei ersteren hilft Gesundbeten. Manchmal.

Klaus T. hat noch auf irgendwas gewartet, etwas, das nur in seinem Kopf stattfindet. Am Ende stirbt er doch. „Sozialverträgliches Ableben“ nennt man das wohl.

 Das ist keine Laientruppe, die hier spielt, es sind Profis der anderen Art, „Experten des Alltags“, wie es treffend in der Selbstbeschreibung der Bürgerbühne heißt. Getragen von einem kongenialen Text, treffen sie den Nerv des Publikums. Hier wird keiner der Beteiligten des „Systems Pflege“ denunziert oder vorgeführt, es sind die nackten Fakten, die einen dicht ans Augenwasser bringen. Eines der schmerzlichsten Themen der Gesellschaft wird hier verhandelt, eines, was man nicht den Dokutainments des Fernsehens überlassen kann. Genau dazu ist Theater da.

Dieses Stück macht keine gute Laune. „Nichts für Sonnabend-Abend“, wie meine Mutter (die übrigens im letzten Jahr siebzig wurde) vielleicht sagen würde. Aber eines für alle anderen Abende.

 Was bleibt noch zu erwähnen? Klara und Maria Wördemann sind in einer klassischen Doppel-Rolle zu sehen, mit dem besten Zwillingsgag, den ich je auf der Bühne sah. Albrecht Goette in seiner maßgeschneiderten Rolle ist unglaublich berührend. Christine Lehmann, Dagmar Michel, Iris Haubold, Karl-Heinz Kind und Charlotte Runck erzählen ergreifende Geschichten, sind aber auch schauspielerisch beeindruckend. Und der Chor der Anderen ist exakt eingestellt und unglaublich präzise im Zusammenspiel. Bühne (Jelena Nagorni) und Kostüme (Cornelia Kahlert) sind unaufdringlich gut und geben den passenden Raum.

Danke dafür.