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Im besten Falle harmlos

„All inclusive – Die Kellerkinder transpirieren sinnfreie Sommerhits“, Produktion des Ensemble La Vie im Projekttheater Dresden, gesehen am 7. Juni 2014

Da gab es im letzten Jahr eine großartige Darbietung der Kellerkinder namens „Morbide Moritaten“ am selben Orte, ich habe Tränen gelacht vor Freude, wer mag, kann es hier nachlesen: https://teichelmauke.me/2013/10/12/schrecklichschon-schon-schrecklich/

Was also lag näher, als dem neuesten Werk dieser spaßigen Truppe ebenfalls beizuwohnen? Gestern schon war die Premiere, aber da war ich beim letzten „Drachen“, doch heute sollte es sein.

Angenehm kühl ist es im Saal des Projekttheaters, fast wie in einem Keller. Die Kinder sollen sich offenbar zuhause fühlen.
Eine genervte Jung-Diva schlurft anfangs nölend zur einem Strand nachempfundenen Bühne, im Schlepptau drei Herren, die auch nicht viel besser drauf zu sein scheinen. Das kann ja heiter werden.
Gewollt lustlos wird der eisgekühlte Bommerlunder besungen, auch Carrells Uralt-Frage nach dem richtigen Sommer wird, äh, interpretiert, ehe es mit Michas Farbfilm weitergeht.

Zum Einstieg ist das ganz putzig, nur … es geht dann konsequent so weiter. „Singt das noch einmal, und ich geh“ möchte man mit Nina drohen, aber zumindest variiert das verwurstete Liedgut, wenn auch nicht die Form der Darbietung. Der Scherz mit dem versemmelten Einsatz erschöpft sich spätestens beim dritten Mal, die großen Stimmen auf der Bühne sind leider nur vorgetäuscht, das Ganze zieht sich, produziert erwartbare Pointen.

Ein Bikini allein füllt noch keine Bühne, da kann er seiner Trägerin noch so gut stehen. Ein bisschen mehr Hintersinn darf man dazu durchaus erwarten, wenn das Ensemble neulich die Latte so hoch hängte. Doch dieses Programm ist nur pseudo-witzig, ein dünner Aufguss seines Vorgängers. Keine Spur von einem roten Faden, es sei denn, man nähme die (dehnbare) Zuordnung „Sommerhit“ als solchen. Kein origineller Gedanke weit und breit, gebrauchte Witzchen und einige Peinlichkeiten, mehr ist da nicht. Kein Musikstück, was wirklich in Erinnerung bleibt, höchstens die zweite Zugabe, doch die stammt aus der vorherigen Inszenierung.

Mit dem Kopf wackeln und Grimassen schneiden ersetzt hier die Spielfreude. Die Musiker (Paul Voigt und Benjamin Rietz) müssen zu den Kalauern zuliefern, bleiben aber sonst im Hintergrund. René Rothe sah ich beim letzten Mal viel besser, da gab das Stück allerdings auch deutlich mehr her. Und Jessica Gräber konnte immerhin einmal (mit einer „Carmen“) kurz andeuten, dass sie tatsächlich singen kann, ansonsten aber wenig darstellerische Mittel zeigen.

Die Versuchung ist für ein Ensemble natürlich groß, nach dem beachtlichen Erfolg der letzten Inszenierung noch ein ähnlich angelegtes Stück auf die Bühne zu bringen. Doch der Rahmen allein macht noch keinen Inhalt. Der vollmundigen Ankündigung „verstörend aufregend“ auf dem Flyer möchte ich energisch widersprechen: Ich fand es im besten Falle harmlos, und dazu noch ausgesprochen langweilig.
Der Fairness halber muss ich aber zugeben, dass der Rest des (pfingstsommerlich bedingt spärlich gefüllten) Saals sehr begeistert klatschte. Und so sei auch erwähnt, dass es am Sonntag (8. Juni) um 20 Uhr noch eine Aufführung im Projekttheater zu sehen gibt.

Monotonie im Nebelbrei

The Sisters of Mercy im Schlachthof Dresden, 13. Mai 2014

 Die Vorband ließ hoffen, Ulysses, wenn ich recht hörte, klang sehr nach Placebo, also durchaus gut.

 Nach einer halben Stunde Pause wurde dann der Saal geflutet, mit Nebel, in dessem Schutz nahten sich schemenhafte Gestalten. Das spart sicher Schminke und vielleicht war die Kapelle auch nicht in Bestbesetzung am Start und wollte das nicht wissen lassen, bei der bekannt schlechten Akustik des Schlachthofs wär es eh nicht auf die Musiker angekommen.

 Ein Hit zum Anfang für den dreiviertel vollen Saal, halbwegs erkennbar, ein paar Altrockergesten glaubte ich zu bemerken und dann: Brei. Ein Lärmbrei, routiniert runtergespielt, teilweise klang es fast wie Rammstein (was bitte unbedingt als Beleidigung zu verstehen ist), wenn auch ohne deren Brimborium.

 Ich habe selten bei einem Konzert dieser Fachrichtung so wenig Ekstase direkt vor der Bühne gesehen, weiter hinten tippte nicht nur ich fleißig auf mein Telefon. Was solls, zu hören war der Brei ja, und zu sehen war eh nüscht.

Und die Krönung all der üblen Stunde (netto dauerte die Darbietung etwa 80 min): Ein Vortrag, der wohl „First&Last&Always“ sein sollte. Dies passte nun wiederum: Es war mein erstes Konzert mit den Schwestern, es wird mein letztes bleiben und stets werde ich mich an diesen Brei im Nebel erinnern. So brennt man sich auch ins Gedächtnis.

 Was macht man als Band, wenn das in den 90ern verdiente Geld für Koks, Nutten und faule Derivate verballert wurde? Richtig, weiter touren, auch wenn man keine Lust mehr hat. So kam ich zu einem Häkchen auf der Liste der Bands, die ich nochmal sehen wollte. Wär das also auch erledigt.

 

Dadaismus befreit

Rainald Grebe und das Orchester der Versöhnung, „Berliner Republik“, im Schlachthof Dresden, 15. April 2014

 Es ist unverschämt, pünktlich anzufangen. Aber so isser.

Ein rammelvoller Saal, ich quetsche mich mühsam hinein. Es wird bereits die Berliner Republik besungen, obwohl es grad mal viertel Neun ist. Ein beachtliches Orchester ist zu bestaunen, u.a. vier Bläserinnen, aber die Männer sind dennoch in der Überzahl. Auf der Bühne gibt es eine Raucherecke für das Publikum, das ist ein guter Ansatz. Nach und nach trauen sich die jungen Menschen auch hoch, aber ab einem gewissen Alter weiß man, dass man nicht alles machen muss, nur weil es erlaubt ist.

 Herr Grebe hat einen guten Anzug an und ist – wenn er nicht grad im Sitzen singt – sehr beweglich. Das ist sehenswert, doch noch mehr lohnt es sich hinzuhören, kleine, feine Gemeinheiten aus der Welt von heute. Er ist ein begnadeter Multitasker, kann nachdenken und dabei spazierengehen, Porno gucken und onanieren, gleichzeitig bekifft und besoffen sein. Ein Talent halt.

 Ein böses Lied über das Stadttheater, bestehend nur aus Zitaten maßgebender Protagonisten, ich glaube Kriegenburg zu erkennen. Ich mach Aaarrrttt! Fein beobachtet, und das 2026 die Rechte am Brecht frei werden, ist durchaus eine nützliche Information. Man kann es aber auch als Drohung begreifen.

Grebe vertritt die These, dass 60 Jahre Frieden vielleicht dann doch zu viel sind, und belegt das mit Aufnahmen aus seltsamen Farbbeutelschlachten. Da kann man erstmal nicht viel gegenhalten.

Und dann wird auch noch Buddy Casino an den Tasten geehrt. Weil heute sein Geburtstag ist … Doch beruflich ging es ihm schon besser, was der Lichtbildervortrag auf der Bühnenrückwand beweist. Frau Klum tröstet aus dem Off ein gescheitertes Topfmodell oder versucht es zumindest, dabei muss der Bassist auf das Laufband.

 Rainald Grebe wechselt öfter Ton- und Musiklage, gutes Musikkabarett, ob er nun als Berater antritt („mit Gänsen kann man nicht über Weihnachten reden“) oder Liechtenstein porträtiert, wo einem die Sonne in den Arsch scheint.

Mutti sagt immer, wie gut es uns geht, Vettel fährt weiter im Kreis und man selbst schaukelt die Eier auf der Dachterrasse. Aus Rainalds Leben halt. Das Bullshit-bingo des deutschen Mittelstands.

Dann gibt es tatsächlich eine Pause. Sowas von Retro! In jener kann man einen schönen Powerpointvortrag zur Schulung neuer Mitarbeiter sehen und wird mit Liveaufnahmen aus dem Backstage erfreut. Herrn Grebe geht es offensichtlich gut dahinten, seinen Angestellten nicht ganz so.

 Nach der Pause sind die Blase-Mädels als Amy gestylt, es wird generell soulig, das funktioniert nur leider nicht ganz. Grebe baut grad ein Haus und spielt heute für die edle Duschkabine, erfährt man. Allein mit Soulmusik würde es aber nur Baumarkt, fürchte ich.

 Nette Details wie ein Bürostuhl vor dem Klavier darf man witzig finden, die Kapelle wird auf den Positionen durchrotiert, soviel Flexibilität muss heute schon sein, sonst wird das nix mit den Achtfuffzich pro Stunde.

Es ist nur eine Franchise-Show, gibt der Grebe-Darsteller dann zu, heute grad parallel in Braunschweig, Zürich und Bad Salzdetfurt oder in der Nähe. Vermutlich sitzt das Original grad auf der Dachterrasse im Berliner Szenebezirk und bewegt rhythmisch die oben erwähnten Körperkleinteile. Ihm selbst wären die nun spürbaren Längen im Programm sicher nicht passiert, aber immerhin schafft es auch das Double, die teuren Sitzreihen hinten auf Anhieb zum Aufstehen zu bringen, wenn verschiedene Halali erklingen.

 Lanz wird zitiert und dann einfach so stehengelassen. Das Ende des weißen Mannes ist zu besingen, aber es ist gar keins, denn wenn auch der Präsident schwarz ist, das Betriebssystem bleibt weiß.

Bisschen Vorfreude auf Weihnachten, ein Lichtlein brennt und Buddy häkelt am Keyboard. Eine Hymne für das Handwerk, die Texte sind jetzt durchweg eine Klasse besser als die Musik, das ist aber auch nicht schwer. Die Einführung von Halloween in Deutschland wird länglich erklärt, dann „Loch im Himmel“, in seiner schönen und vordergründigen Ernsthaftigkeit ein Solitär im Programm.

 Dass Rainald Grebe sieben Jahre nach seinem Auftritt beim Tanz- und Folkfest Rudolstadt jetzt dessen „Ruth“ bekommt, spricht zum einen dafür, dass Thüringer sehr gründlich überlegen, führt dann aber zu einem Volksliedermedley der anderen Art, denn alles was zu dumm ist, gesprochen zu werden, kann man immerhin noch singen. Heimat ist … wenn es überall gleich schmeckt, Starbucks und McIrgendwas sei Dank.

 „Wie macht der schwule Schlagzeuger?“ Grebe darf auch das. Der Bassist singt Keep on rockin‘ zur Gesellschaftskritik, das hat was, die tanzende Boygroup dann eher weniger. Die Musiker*innen werden mit ihrer Herkunft vorgestellt, dabei haben wir zuvor erfahren, dass die kein Verdienst sei. Der Saal macht noch ein paar schlechte Handyfotos, dann ist erstmal Schluss.

 Der erste Zugabeblock scheint verzichtbar, das Lied über Sachsen (tja, wenn man einmal mit den Landeshymnen angefangen hat …) ist erstaunlich harmlos. „Ä Tännschen plies“, naja.

Do so endet man zum Glück nicht, Grebe reißt es mit Dadaismus wieder raus, das geht nochmal richtig ab, das ist das, was er machen sollte! (Tut er ja auch, in Berlin, auf der Bühne)

Dadaismus befreit, generell und mich an diesem Abend von den Zweifeln am Künstler.

Ein schönes Hörbuch wird noch vorgestellt, die schönsten Ballwechsel von Monica Seles, und dann gibt es – zweifellos der Höhepunkt – „Brandenburg“ auf sorbisch.

Elektronische Grillen zirpen die Stimmung herbei, die man für eine Hymne auf die Eintagsfliege braucht, der DJ bekommt einen verdienten Zungenkuss, dann ist wirklich Schluss.

 Drei Stunden Orchesterarbeit, für die Versöhnung. Alles in allem hat das geklappt.

Euphorie im Sitzen

Das Figaro-Studiokonzert von Suzanne Vega am 24. Januar 2014 in Leipzig

 Das war schon respektabel, was die nordamerikanische Ausnahmesängerin und ihr nicht minder hochklassiger Elektrogitarrist Jerry Lennart da boten, in der Theaterfabrik Sachsen, welche in Leipzig situiert, jener inzwischen größten Stadt besagten Landes, weswegen das mit dem Namen schon in Ordnung geht, dem der Location meine ich.

 Der Jahres-Tourauftakt erfolgte mit einem Studiokonzert für das Radio, eine neue Platte ist seit einigen Wochen draußen, was in einem Vierteljahrhundert Suzanne Vega bisher erst siebenmal geschah, die Dame veröffentlicht wohldosiert. Wie der MDR zu dieser Ehre kam, ist mir nicht ganz klar, beweist aber, dass die interessierte Fachwelt sehr wohl unterscheiden kann zwischen dem inzwischen auch bundesweit gut positionierten hiesigen Kulturradio und dem maximal mittelmäßigen Rest der Anstalt.

 Zur (kostenlosen) Karte kam ich übrigens wie die ältliche Jungfer zum Kind, nach mehreren vergeblichen eigenen Versuchen wurde ich dann sozusagen adoptiert und mitgenommen. Am Ende kommt alles wie es kommen muss.

Das Anwärmen des natürlich vollbesetzten schönen Saals wäre so vermutlich gar nicht nötig gewesen, aber auch beim Öffentlich-Rechtlichen geht man inzwischen auf Nummer Sicher und überlässt auch den Jubel nicht dem Zufall.

 Und da war sie dann nun, Suzanne Vega, deren Psychotherapeutinnenstimme ich bislang nur aus dem Radio kannte. Eine zierliche Person, im Outfit ein wenig an den „Blauen Engel“ erinnernd, den Marlene on the Wall einst verkörperte, wenn auch mit ohne Strapse.

Mit jenem Hit fing es auch an, man muss die Menschen dort abholen wo sie sind.

 Von Anfang an herrschte eine Stimmung im Saal, die man mit kuschlig-weihevoll am ehesten beschreiben kann. Andächtige Stille, disziplinierter Beifall, Euphorie, aber im Sitzen.

(Ich hab leider generell ein Problem mit Sitzkonzerten, von der Staatskapelle vielleicht mal abgesehen, weil Musik dann doch irgendwie immer auch in den Körper geht und man diesem Gefühl dann gern Raum geben mag, und sei es durch gemessenes Schwanken wie die Eiche im Wind, aber es sollte heute nicht sein. So wiegte ich wenigstens den Kopf im Rhythmus der wirklich schönen Melodien.)

 Suzanne Vega spulte ein Programm ab, das nicht wirklich überraschend war, aber man hatte nie das Gefühl einer Routineübung. Da war viel Professionalität auf der Bühne. Wenn man zudem das Glück hat, von einem begnadeten Gitarristen wie Jerry Lennart kongenial unterstützt zu werden, kann man auch als Duo einen Saal vollauf zufriedenstellen, zumal man bei den glücklichen Kartengewinnern ohnehin offene Türen einrannte.

Da macht es auch nichts, dass die neuen Songs so klingen wie die alten. Das ist halt der Suzanne-Vega-Sound, seit Jahrzehnten perfektionierte Wellness für die kultivierten Ohren. Als die E-Gitarre mal kurz etwas lauter wurde, war der emotionale Höhepunkt des Abends erreicht.

 Vielleicht würde ich anders urteilen, wenn mein Thekenenglisch für das Verständnis der Texte ausreichen würde. Doch diese Dimension des Schaffens von Vega bleibt mir vorerst verschlossen. (Wenn ich es später noch richtig lerne, will ich mich gern korrigieren.)

 Nach einer im Wortsinne guten Stunde das vorläufige Konzertende, drei Zugaben folgen noch. Der Beifall wird zum Schluss hin heftiger, „Luka“ und „Tom’s Diner“ tun ihre Wirkung. Dann noch Signierstunde im Foyer, und die neue CD gibt es vorfristig. Was will man mehr?

 Äh, ein paar Überraschungen vielleicht. Ein musikalischer Kontrapunkt, eine Coverversion von Cash, von mir aus auch von Madonna, irgendetwas Unerwartetes. Gern auch ein Moment der Hässlichkeit im konstant Schönen.

 So bleibt mir als Fazit, dass ich mich – unbestritten auf sehr hohem Niveau – dann stellenweise – Pardon, Verehrteste, halten zu Gnaden – dann doch stellenweise etwas gelangweilt habe.

 PS: „In Liverpool“, mein Lieblingslied, hat sie übrigens nicht gespielt. Vermutlich ahnte sie meine Insubordination. Geschieht mir recht. Muss ich es halt nachher zuhause hören.

 

Aus Bähmen kommt die Mussick

Die Jindřich-Staidel-Combo im Blue Note Dresden, 22.12.2013

 Jahreszeitlich angepasst marschiert man zu „Taratatam“ in den, nun ja, Saal. Das wird zünftig gespielt, auch wenn die Kapelle gewohnt unlustig guckt. Die Vertreter des Brudervolks im Süden tun hier nur ihre Pflicht, allerhöchstens. „Wer dansen mechte, lässt es bitte bleiben.“ Olomouc ist kurz vor dem Abschied des Center-Klaus nochmal auf Mugge, da gibt es klare Regeln. Aber haben Sie bitte Spaß!

 Mehr als rammelvoll ist die „Bouda Modry Note“ heute, solch schöne Trainingsanzüge („aus Fläz“, wie wir später lernen werden) wie die Formation da vorne hat aber keiner an. Der Adjutant Prochazka berichtet näselnd-nölig aus dem reichhaltigen Leben des Jindřich Staidel, während ebenjener unbeteiligt durch die Spiegelbrille schaut. Offensichtlich versteht er kein Deutsch. Muss er auch nicht.

 Der Autohändler Meth aus Olomouc hat eine Schwester namens Crystal, die hat Kekse gebacken … Und so nimmt das Unheil seinen Lauf. „Don’t cry for me, Česka Lipa“ heißt es, als Jindřich nach seiner Umschulung das Kaff wieder verlässt. Am Ende wissen wir, eigentlich muss es „Dräsdn-Neustadt“ heißen.

Wir hören Welthits in eher schlichten Arrangements, allesamt natürlich ursprünglich aus der Feder von Meister Staidel, der am liebsten im Liegen komponiert. Besonders vor der Pause blitzt das Können der vier auf der Bühne nur selten auf, sie sind vorerst nur ein Gesamtkunstwerk, aber die Stimmung kocht im Hostinec.

 Wir lernen auch was: Bei Wolfskin fehlt generell das „e“ an der Jack, doch Manička stickt es gerne dazu, gegen Entgelt. Wenn man morgens im Löbtauer Schnittgerinne erwacht, ist die Gefahr einer temporären Demenz groß, doch die Kapelle hat eine mobile Apotheke dabei und bietet Oblaten dagegen feil. Die formschönen und praktischen Anzüge der Herren bestehen wie schon berichtet aus Fläz, was im Böhmerwald unter Tage abgebaut und von einem Schneider namens Das Adi zum Endprodukt verarbeitet wird.

 Vor der Halbzeit noch ein Stück, wo dann alle mal zeigen, wo sie eigentlich herkommen: Aus Jazz-Virtuosien. Auch schön: In der Pause rauchen Ginstler und Bubblikum einträchtig eine Stange „Start“ vor der Tür des inzwischen leergeatmeten Jazz-Imbisses.

 Dann nimmt die musikalische Klasse deutlich zu: E + U = XXL, um es mal so auszudrücken. Die Bandmitglieder Jindřich Staidel, Pro Haska, Manitschka Krausonova und Tatra Skota (bürgerliche Decknamen auf Anfrage) sind mitnichten nur Spaßvögel, sondern ausgewiesene (häh?, der Sezza) Könner auf ihren Instrumenten. Stellenweise ist es nun fast ein „normales“ Jazzkonzert.

 Dennoch hat die Combo einen Bildungsauftrag, dem sie nachkommen muss. Wir lernen also weiter: Burnout ist ein Nachbardorf von Olomouc, und in Böhmen herrscht ein brutaler Winter, saukalt soll es sein. Soso. Da hat wohl der Tourismusverband ein Anliegen gehabt.

Von Böhmen aus betrachtet, haben die Deitschen nun eine goldene Plazenta als Verteidigungsministerin, man beobachtet die Lage offenbar aufmerksam. Statt Euro-Hack gibt es künftig Euro-Mett, meint man im Nachbarland.

Wie alle superreichen Künstler hat Jindřich Staidel eine Stiftung gegründet, die sich u. a. dem Kampf gegen „Gähtnicht“ verschrieben hat. Ziemlich erfolgreich sogar, an diesem Abend geht alles.

 Insgesamt ist Teil Zwo deutlich jazziger, jetzt kommen auch die Puristen auf ihre Kosten, die, für die der Künstler keinen Humor haben darf. Falls sie nicht zuvor gegangen sind aus Protest gegen diese schrägen Blödeleien. Aber ich hab nachgezählt, es waren alle noch da nach der Pause.

 Ein Zeckenbiss der Liebe für Betra, die nur Euro nimmt, nix Korun, was im Moment aber unklug erscheint. Die Melodie hat übrigens ein gewisser Karel aus Praha gestohlen, sie in den Westen verkauft und führt sich nun auf wie der liebe Gott.

Ein Tag im Leben des Jindřich Staidel, von ihm selbst auf Altböhmisch gesungen und von Prochazka liebevoll simultan übersetzt. Doch auch bei großen Männern passiert nicht immer was.

Ein Knedl-Hai kann geangelt werden im Schaufenster des Apothekers von Olomouc, Pan Tau fährt dort den Schneepflug und das letzte Rudel Polyluxe lebt in den Stadtwäldern und führte dort neulich „Titanic“ auf … Können Sie folgen? Man muss es erlebt haben, beschreiben ist schwer.

 Dann sehen wir sogar einen tanzenden Meister Staidel in der vollen Lebensgröße seiner 155 cm, er öffnet nicht nur in der Heimat mit seiner Aura alle Portemonnaies. Manička Krausonova hat sich an der Sorbonne in Dampfbügeleisen promoviert und leitet jetzt die örtliche Musikschule sowie die Pfandflaschenannahme.

Tatra Skota stammt ursprünglich aus dem Baumarkt und ist hauptberuflich als Schredder tätig mit seinen Stöckchen, Pro Haska hatte eine schwere Kindheit mit vertauschter Mutter und bringt morgens um Neun die Unterschriftenmappe zu Herrn Staidel. Alles ganz normal also, Menschen wie Du und ich.

 Zum Ende hin noch eine Hymne auf das Kofferradio an Bord, auch Abba hat alles dem Meister zu verdanken, und dann … „Oblatki, Oblada, Becherovka!“. Feierabend und zurück über die grüne Grenze. Fast drei Stunden erstklassiger Musik und genialen Schwachsinns in der Jazz-Arena „Blue Note“ liegen hinter uns.

 Don’t cry for me, Dresden-Neustadt? Doch.

 

Vive La ZAZ! Un petit peu.

Junge Garde Dresden, am 3. August 2013

Eine freudige Überraschung gleich zu Beginn: Felix Meyer spielt als Anheizer, jener mir bislang persönlich unbekannte Barde mit Street-Credibility, markanter Stimme und den leicht schiefen Sprachbildern, bekannt auch aus der Figaro-Hit-Rotation, par example. Also wäre auch dies abgehakt.
Am Ende eines respektablen Sets: Er hat es drauf. Auch wenn er nicht mein Typ ist, aber das ist ja nicht seine Schuld. Doch vielleicht sollte er besser Spanisch singen.

In der Pause ein erster kleiner Missklang. Ich trinke Schöfferhofer, wenn es sonst nur Radeberger gibt. Das ist heute leider der Fall. Egal, der Durst treibt es rein.

ZAZ (wie immer die Kleine auch in echt heißen mag) soll ja eine ähnliche Karriere wie der Herr Meyer von vorhin gehabt haben und in Frankreich gar nicht sooo populär sein. Aber das ist im Moment auch ziemlich egal.

Sie lässt nicht lange warten, rockigpoppig zum Einstieg, eine überraschend große Frontkapelle aus sechs Herren. Sie hüpft wie ein Gummibällchen, animiert sofort zum Mitklatschen, auch wenn es die Musik (noch) nicht hergibt.

Der vierte Titel endlich ist einer der „alten“, ca marche nun doch, auch wenn das musikalisch etwas unsortiert daherkommt. Auch das Banjo ist nicht so meins.
Allgemeinplätze klingen auf Französisch deutlich besser als auf Deutsch. Ich langweil mich, un petit peu. Auch die E-Gitarren-Kunst reißt es nicht.

Nachher werden noch Drehorgel und Akkordeon eingesetzt, doch mir wächst kein Baguette unterm Arm. Schade.
Und dann „Je veux“, die Menge tost, ich will ja eigentlich auch, mais … Ich hab mir mehr versprochen.

Ein Ausreißer nach oben? „Les passant“ swingt und groovt. Dann „La vie en rose“ der Grand Dame im selben Stil, wendet sich etwa das Blatt? Zumindest macht es jetzt wirklich Spass.
Eine Art Free Jazz, pourquoi pas? Unterhaltsam, meine Mundwinkel heben sich langsam.
Dann sogar Tango francais, magnifique. Et le Calimba. Ca va bien?
Ich höre auch noch Reggae heraus, Polka bleibt uns erspart. Musique de tout le monde, touts couleurs.

Das Finale und die Zugabe dann meist aus bewährten Hits, wobei ich feststellen muss, dass das breitflächige Arrangement den feinen Songstrukturen nicht unbedingt gut tut. Aber „Dans ma rue“ ist grossartig.
Bisschen viel Rock francais ist es sonst, nicht wirklich toll, denn Jonny Halliday kennt hier ja zu Recht auch keine Sau. Und Mademoiselle erlahmt langsam, zumindest stimmlich.
Et La Fin, Messieursdames.

Was bleibt? Ein Festival der schönen Kleider im Publikum, ein interessanter Felix Meyer, ein begeistertes Publikum in einer fast vollen Garde und ein nicht ganz überzeugendes ZAZ-Konzert.

Die etwas nasale Stimme von Mademoiselle kommt auch live gut, zeigt sich aber bei weitem nicht so wandlungsfähig wie erhofft. Sie gehört für mich auf die kleinen, intimen Bühnen, auch wenn das verwertungstechnisch unklug sein mag.
J’adore cette petite Madame, deswegen bin ich vielleicht besonders kritisch. Mais wollen wir nicht so sein: Der Daumen zeigt am Ende schräg nach oben. Merci, cherie.